Kunst overlever i periferien, helst i lande med gammel kultur. Den persiske kultur er gammel og har måttet kæmpe med islams vægt. Direktør Abbas Kiarostami er også billedkunstner og tager den slags billeder, der straks taler til mennesker. Titel: Regn. (2006)

I slutningen af ​​det 19. århundrede introducerede den franske digter Charles Baudelaire et nyt og udfordrende kriterium for det kunstneriske, som næsten var implicit i det moderne projekt, også kaldet modernitet. Tidens tro på konstant udvikling og fremskridt skabte et behov for en markering af det, der til enhver tid var nyt. Det var ud af dette behov, at Baudelaire designede kategorien “det nye” som et kunstnerisk kriterium. Forfølgelsen af ​​det nye er nu blevet den vigtigste drivkraft og det grundlæggende mål for kreative aktiviteter.

Dette er virkelig et paradigmeskift i kunsthistorien, da målet med kunst / kunstformer ikke længere var at skabe skønhed i henhold til kravene fra æstetik, men at være i forkant med fremskridt. Kort sagt kan det siges, at dette fokus på “det nye” repræsenterer selve kernen i modernismen, som ganske konsekvent adskiller et antal nye koncepter til klassificering af ændringer i kunstudviklingen. De mest berømte er krænkelser, overtrædelser og negation af traditioner og borgerlige værdier, som nu markerer fronten mod fortidens og gårsdagens kunst. Hvad det nye bestod af var ikke så vigtigt, så længe det brød med det eksisterende.

Forfølgelsen af ​​det nye bevæger sig således på tidsaksen i to retninger, negativ mod fortiden og positiv mod fremtiden. Det samme gælder den utopiske tro på fremskridt, der er præget af had til fortiden og længsel efter fremtiden. En vigtig konsekvens af kategorien “det nye” og søgen efter permanente pauser er, at æstetik gradvist forsvinder fra kunsten. Den sidste fase kom i 1980’erne, da æstetik blev forstået som en overskredet fase og erstattet af konceptuelle strategier. Præmisserne blev lagt af postmodernistisk teori for at dekonstruere værkskategorien.

Som bekendt, handler æstetik om perception, en perceptuel proces, der ikke er tilladt i den konceptuelle dimension. Dermed forsvinder også muligheden for at time det kunstneriske i et konkret værk med referencer i et synkront og diakronisk perspektiv. Løsningen var at etablere begrebet samtidskunst, som er en fleksibel katalogisering, der kan skubbes frem uden afgrænsning. Moderne kunst lever for evigt uden at forny sig selv. Således forsvinder også søgen efter det nye som et parameter for moderne kunst.

I princippet blev den modernistiske kunststrategi afskaffet i 1980’erne, mens kunstinstitutionerne stadig fungerer og simulerer forfølgelsen af ​​det nye, som om intet var sket. Faktisk er der heller ikke noget at spore af fornyelse i samtidskunsten. Den er der og fungerer institutionelt, så hvorfor forny sig selv? Det samme er sket med arkitekturen, men på et meget tidligere tidspunkt, hvilket er logisk og kronologisk knyttet til etableringen af ​​kategorien «det nye».

I slutningen af ​​det 19. århundrede var arkitekterne i oprør mod den fremherskende kopiering af stil. I en kort periode jagtede de også efter det nye og fremtidsorienterede. De ønskede at skabe en moderne arkitektur og ikke efterligne fortidens stilidealer. Arkitekterne havde store visioner om en ny æra med moderne arkitektur, og derfor skabte de også en helt ny form, der historisk var grænseoverskridende. Allerede i begyndelsen af ​​1900’erne så vi, at denne fornyelse stagnerede. Det blev med en kort radikal fornyelse, derefter fortsatte arkitekter verden over i samme endimensionale spor.

Der er ingen anden aktivitet inden for kulturområdet, der har været så stiv i formudtrykket og så længe som modernistisk arkitektur. I over 140 år har arkitekter gnavet på det samme formudtryk, uden at nogen fornyelse kan spores. Arkitekturen skal afspejle sin tid, er en erklæring, vi regelmæssigt hører fra arkitekterne, der i over hundrede år nu har stået på samme sted. Ideen om radikal fornyelse og den konstante søgen efter det nye inden for arkitektur forsvandt efter første verdenskrig. Fra da af blev den moderne arkitektur størknet til en i bogstaveligt forstand betonpræget positur, som om dens historiske udvikling var afsluttet.

På det tidspunkt har kunst og arkitektur noget markant til fælles, nemlig slutningen af ​​historien. De har en anden historie, men den sidste fase for dem begge og deres tro på permanent fornyelse ender i kunsten og arkitekturens død. Kunst gentager sig derimod som et begrebsmæssigt fænomen i det uendelige uden at være i stand til at inkarnere sig i et æstetisk designet værk. Arkitektur er blevet en slave af forestillingen om sin tids stil, i praksis et sterilt og endimensionelt formudtryk uden æstetik og innovativt potentiale. Udtrykket “sin tids stil” har noget lovende ved sig, noget om nye stilarter i fremtiden, men der er aldrig nogen fornyelse, bare en evig gentagelse af det samme formudtryk. Sikkert godt for business, men slet arkitektur.

Det faktum, at moderne arkitektur skal udtrykke sin tids stil, er mere ønsketænkning end virkeligheden. En stil er normalt karakteriseret ved dens specifikke formudtryk, som repræsenterer en æstetisk / sensorisk udvidelse af grundformen. I moderne arkitektur er der ingen sådan udvidelse, kun en gentagelse af grundformen. Således kan man hverken tidsstille eller analysere de æstetiske kvaliteter. De eksisterer simpelthen ikke, bortset fra som programmatiske besværgelser i en teoretisk overbygning eller nyttig markedsføring.

På dette niveau falder arkitektur og kunst sammen. De er kulturelle aktiviteter, der kontinuerligt skal legitimere deres usynlige æstetik og samfundsmæssige fordele. I denne henseende har arkitektur haft mest indflydelse, ikke på grund af bygningernes æstetiske kvaliteter, men fordi kyniske udviklere har nul interesse af smuk arkitektur. Sådan supplerer og udvider arkitekten hinanden, mens kunstnerne derimod sætter deres lid til den generøse stat. I begge tilfælde ser vi, at søgen efter de nye og rosenrøde fremtidige drømme er endt i mareridtlignende kunst og arkitektur.

Der er mange indfaldsvinkler til denne modernistiske paradigmeundergang. Mest berømt er sandsynligvis den tyske kunsthistoriker Hans Beltings bog “Das Ende der Kunstgeschicte” (1983, revideret udgave 10 år senere) og Arthur C. Dantos bog “Efter kunstens afslutning” (1997). Begge giver et godt indblik i de kunstneriske ændringer og æstetiske spørgsmål, der kendetegner modernismens dogmatisme. Indirekte får vi også perspektiver på den moderne arkitekturs brud med historismen: i en monoton stilhed og anti-æstetik, der aldrig ender eller kan fornyes.